«Eyes Wide Shut» – A mist of mysteries in Christmas

Probably throughout this article I will show many frames of characteristic scenes and formulated an infinity of questions that have no apparent answer or that are left to the reader’s judgment, but that is precisely what I want to achieve when talking about «Eyes Wide Shut «, that special thing about this film: doubt, mystery and secret, within an astonishing visual framework.

Stanley Kubrick… It is said that he’s one of the best and most influential film directors in the world. But, what good is it if it doesn’t produce anything for me with his most «acclaimed» films like «2001: A Space Odyssey», «Spartacus» or «The Shining»? (We will talk about «A Clockwork Orange» on another occasion as it is an exception)

At least for me, a director doesn’t attract my attention just because he is «influential» in the world and famous for that. And what’s more, the directors themselves don’t catch my attention; I’m not a fan of the technical team in charge of the films that I like, as if creating a masterpiece implies that all the others will be equally “master”. Perhaps in some cases the director repeats the luck with some of my favorite films, but in this article it’s not the case to talk about that.

Regardless of the career of this renowned filmmaker, and what terrible things this film can hide, I will only comment on why I’m fascinated by one of his (they say) legendary and controversial films, which despite the years and the countless times I’ve seen it, I still find it striking, interesting, mysterious, intriguing and captivating. Without going any further, the last time I saw it a couple of weeks ago, I discovered another edge of the story and a couple of hidden details that, unless you are very meticulous, you might not notice when you’re looking at the movie for the first time. And they’re not trivial details like a painting in the background that was seen for two seconds in a specific scene or the color of the protagonist’s dress, but rather phrases or actions that have a content hidden at first glance, but in reality they have traces of relevant information to understand why events in history unfold in one way or another. In fact, if you had more experience and connection with the fictional world that is related in this film, you can realize the influence of certain characters, who are not placed there randomly, but they play an important role in the whole plot, as well as places and settings.

In this framework, everything is conspired to have a story assembled on every detail, every meaning, every outline of clarity that serves to decode what Kubrick wanted to tell us with this film. Are there more hidden symbols that I still haven’t discovered? Will there be more sentences with double reading? It’s a matter of keep watching the movie over and over again (which doesn’t bother me at all).

It’s neccesary to mention that this one was a very controversial film and promoted for having «strong» erotic scenes and a plot for adults. Even more, when I was under 18 that warning was the most striking thing about seeing this movie, but now that I know it well, that alert almost takes a back seat. It only remains to say that if you want to watch sex, better get yourself a pornographic film directly and avoid going through «Eyes Wide Shut», because you will be disappointed, or even bored. It’s true that naked women are explicitly shown and also some scenes of orgies and sexual relations, without any shame, but unless you are a sexual depraved who is only interested in the sex that appears in the movies, it’s not relevant here, because there are a background more important than that, where it doesn’t matter if it shows a little more or a little less. Sure, all this is part of the visual narrative, and without these scenes, you couldn’t understand some things, but this isn’t a pornographic film, although we can say that it’s erotic.

And it’s precisely that narrative that tries to unscramble as the minutes go by, between scenes that are sometimes incomprehensible and useless, or absurd and redundant dialogues, the one that transcends to sink us into a dilemma. Will this really happen in real life? Is it just the result of an open and imaginative mind? Because let me tell you that I still feel that there are too many scenes, conversations that lead nowhere, time and resources wasted (at first glance) and that make you wonder if we really understand each step that is advanced or we are immersed in murky waters of a dream that seems to be real.

As an extra information, Mr. Kubrick was based on an Austrian novel called «Dream Story», by the author Arthur Schnitzler, in which a marital conflict breaks trust in them because the main character feels drawn into the unknown and plunges into terrain as dreamy as it is dangerous. Could it be what we are trying to make known here: that fascinating dream world but at the same time threatening?

Without wanting to spoil it or telling too much about what it’s about (if you haven’t seen this movie yet), this film mainly talks about the price of keeping secrets: on the one hand, problems in a «happy» marriage because of the loss of trust or having a blind trust, and on the other hand, hidden societies that maintain and practice rites not very well seen by the common people and that move away from «normality». Or is it a reflection of this «normality»?

Based on this, I think there’s no doubt that the title is well chosen. The question is, do you mean that it’s better to keep your eyes tightly closed to avoid falling into matters that don’t concern us? Or does it mean that we have practically been with our eyes closed all the time and only at the end do we open them to realize what has happened? Are there any other hypotheses?

According to what I just said, this film is very striking to me as it is a mixture of reality and fiction, both so well combined that it’s difficult to pull apart them and stop to think what things can happen and what not, or which of them are happening right at this moment , even in the house that is on the street corner where we live. Sometimes reality is more than fiction and that is already more than proven. Or do you still believe that your neighborhood is only what you see on the outside? Have you ever stopped to think about what happens within the four walls of that mysterious house around the corner? I’m sure that more than once your answer is YES. So we are in the presence of evidence that fiction is within our reality. Or will it be the other way around?

On the other hand, it is almost mock and ironic that the film was set at the time before Christmas, with all those colors, all that joy, all that spirit of love and peace that haunts the environment, and that in particular, Americans want to always print this date, even when the world is falling apart. Could it be to counteract in some way the dark experience that the protagonists live?

Now, if there is something that can be noticed as a constant element in the whole film, and that is precisely one of the things that I like the most, it is the multicolored Christmas lights; those that decorate the festive atmosphere, and that as we know there are many shapes and colors, but here they never stop being like a rainbow. All the Christmas trees that you see, in different places and scenes, be they small, large, elegant or common, they’re all decorated in bright colors, and sometimes they’re also on the walls or window and stairs decorations.

Wherever the protagonist is, it’s always decorated with those lights. Weird, isn’ it? Did everyone buy the same types of lights? Did they agree or was there only that kind in the stores in New York City? Is it any sign? For a simple passing spectator this can be «beautiful», «curious» or simply go unnoticed. For me, this is one of the reasons that makes it special.

Even in a Christmas party that is shown at the beginning of the film, in the middle of an imposing glow of white, yellow and golden lights, those multicoloured tones are also found. Yes, precisely in that dreamlike space created by waterfalls and light curtains with a glare that dazzles, is that visual detail that can hide as many secrets as answers, at the same time that key events are developed to reveal what is coming if we keep being accomplices of each of the steps taken by the protagonist.

Based on this point, I prefer to stay with the idea that it’s one of the “special touches” that the film was wanted to give, although the theory that it is more than just coincidence is also very suggestive.

Finally, the last resource a filmmaker has when putting together his work, and why not say it, which also has me completely captivated, is the soundtrack.

If there are songs and melodies so spectacular that they are able to reach my mind and transport me in an instant to the whole world in which a movie wants to envelop us, those are those of «Eyes Wide Closed» (along with those of «Titanic ”). In my opinion, the choice of classic pieces, mixed with normal tones and some other disconcerting ones, recreate a part of history in each note.

Without music there is no scene, and without an interesting scene there’s no interesting music; they’re reciprocally necessary. Just start listening to the piano of the main theme to feel chills and become one more participant in the secret rite that the protagonist attends.

It’s not a coincidence that one of the influential characters in history is a pianist and it’s precisely he who involves us, consciously or unconsciously, to live this dream in reality. I don’t believe in coincidences, and even less in this movie.

Music plays as important a role here as are the coloured lights and the constant enigma of not knowing what might happen. It is these three elements that within everything that can be criticized, doubted or applauded about this film, those that make it special to me.

If you have never seen this film before, I invite you to do so, but with a wide view, without taking it so lightly: ‘Eyes wide shut’ is not one of those «light» ways to relax and hang out in a lazy afternoon, but on the contrary, it will demand the greatest attention from them and will keep them thinking minute by minute «what is happening here?» If it is susceptible to «strong» scenes, then don’t watch it. What is least wanted here is to have doubting and insecure viewers.

On the other hand, if you have seen it before, then I invite you to do it again, for the sole pleasure of enjoying it or perhaps to find something new. Who knows? At least I don’t reject it. Because if there’s something that can be praised in a film, and in particular this one, it is the ability to renew itself every time you see it, to not be the same you saw the last time, to have something new to offer and captivate you once again.

This is why «Eyes Wide Shut» is a Movie Art. There’s no more to add.

Películas musicales – Siempre en el ojo del huracán

Dentro de los géneros fílmicos, uno de los más polémicos (por decirlo así) entre todos ellos, es el del tipo “musical”. Es decir, siempre aparecen miles de cuestionamientos sobre uno u otro aspecto que hacen muy difícil la decisión de si hacer o no un filme de este estilo o si es posible clasificarlo como tal.

¿Qué se entiende por película musical? ¿Cuántas canciones debe tener? ¿Están prohibidos los diálogos no cantados? ¿Deben ser canciones originales o estar basadas en alguna obra exitosa? ¿Qué sucede si las canciones no son pegajosas? ¿Los protagonistas deben ser cantantes profesionales? ¿Hay conflictos si se arregla digitalmente la voz de los actores que no cantan bien? ¿Incluye una banda sonora en CD (o cassette) que la gente pueda comprar? ¿Es necesario que las canciones sean dobladas al idioma del país en donde se emita para que la gente las entienda? ¿Deben estar subtituladas las canciones cuando se proyecta en el cine o se edita en formato de DVD/BluRay? ¿Los subtítulos deben estar en el idioma original (estilo Karaoke) o con la traducción de la canción?Tomando en cuenta que la mayoría de las películas mencionadas en este artículo provienen de obras de Broadway o similares, salvo algunos casos particulares, es menester dividirlas en sub tipos para simplificar un poco las cosas.En primer lugar están las completamente musicalizadas sin diálogos hablados como “Jesucristo Superestrella”, mientras que por otro lado están aquellas que poseen diálogos hablados como cualquier película común, pero que tiene canciones como una forma de apoyar la trama y/o contar la historia de otra manera. Dentro de este último grupo están las que poseen canciones originales, especialmente creadas para dicha historia, como “Grease”, y están las que utilizan canciones de otros artistas para ser usadas como musicalización de apoyo, haciendo una mezcla de temas con un foco en común, pudiendo ser interpretadas por los protagonistas de la historia o no; este es el caso de “Moulin Rouge”.Ciertamente hay muchas formas de clasificarlas, y probablemente solo con este simple acto de subdividirlas ya se produzca polémica, pero a la hora de hablar de las películas musicales la idea es tener el panorama lo más claro posible.Si nos referimos a las películas que no poseen diálogos hablados, sino que todo lo que se dice es mediante canciones, por muy pequeñas que sean las interacciones entre los personajes, el reconocimiento es muy grande. Si ya es difícil construir un proyecto con un tema llamativo, con una trama con personajes y actores convincentes, más aun lo es cuando se quiere cautivar al público y no aburrirlo con una hora y media (o más) de música interminable; ese detalle debiese pasar inadvertido.En ese ámbito, “Jesucristo Superestrella”, “Evita” o “Los Miserables” respetan los momentos de silencio y le agregan variedad a su banda sonora para evitar la monotonía. A esta categoría se le puede añadir las películas animadas “Interstella 5555” y “Las Trillizas de Belleville”, que aunque sean animaciones y no provengan de un famoso espectáculo sino de solo de la mente de sus creadores, siguen la línea de no tener diálogos hablados, manteniendo todo el tiempo la música sonando, ya sea con letra o no.Hasta acá, el concepto de “película musical” no se aleja mucho de su origen teatral, concibiendo el cine solo como una extensión del escenario con luces y decorados de madera, lo cual no me molesta para nada. Ese exquisito gusto por óperas bien armadas, guiones entramados y desarrollados con el fin de contar de la mejor forma una historia, hacen que el placer por oír buena música se una al arte de ver imágenes de alta calidad y cuidada estética.Ahora bien, por otro lado, concentrándonos en aquellos musicales que presentan canciones intercaladas dentro de un largometraje común, el catálogo que podemos encontrar es mucho más extenso, y hasta a veces decepcionante. Acá se encuentran aquellas que, como leí por ahí, se presentan como “una película con música” y son las causantes que el género haya tenido una decadencia notable en el último tiempo. Es decir, ¿para qué ir a ver una película con temas que no cantan los protagonistas, que no son originales, que ya se han escuchado antes en mejor versiones, o que no tienen nada que ver con la película misma sino que solamente están para tratar de acoplarse a la fuerza? Y con justa razón el público ha preferido otras temáticas y no las sobreexplotadas películas musicales.

Pero, ¡hey! No todo está perdido. Dentro de ese gran océano de las películas “semi-musicales” encontramos un salvavidas con “Grease”, “Yellow Submarine” ó “Mary Poppins”, por ejemplo. Aun cuando algunas sean animaciones, infantiles o de famosos grupos pop, lo importante es cómo la canciones son un apoyo para contar la historia, y no un agregado para tener más taquilla en los cines. Es decir, aquí los temas musicales fueron creados junto a la historia, como parte de la narración; sin esas piezas musicales el rompecabezas está incompleto. Ahí está la diferencia con “el resto”. Sin las escenas cantadas o con una canción de fondo queda una película común: dramática, de comedia, ciencia ficción o animación, lo que sea, pero no una película musical. Con esto no quiero decir que por ese hecho sean malas películas. No me estoy refiriendo a su trama, personajes o actores. El asunto en cuestión es separar aquellas que malamente se denominan musicales de aquellas que considero que lo son. Claro, hay que considerar también aquellas que son netamente un producto comercial y tienen un público (fans) que las defenderá a muerte.Justamente ese es el punto de discordia. ¿Quién define que una película es un musical? ¿Academias de música? ¿Academias cinematográficas? ¿El público? En verdad es una gran polémica.

Porque además, si realmente fuéramos estrictos al catalogarlas, quedarían fuera de esta exclusiva clasificación, varios clásicos como “El mago de Oz”, “Amor sin barreras”, “Cantando bajo la lluvia”, “Los caballeros las prefieren rubias”, “My fair lady”, “The Rocky Horror Picture Show” o “La novicia rebelde”, por nombrar algunos previos a la época 70s y 80s de la invasión pop/rock en donde resaltan por tener éxitos radiales: “Grease”, “Flashdance”, “Dirty Dancing”, “Footloose”, “Saturday-Night Fever”, “Staying Alive”, “Xanadu”, “The Wall”, ”Moonwalker” o “Fame”.En los últimos años tenemos exponentes como “Chicago”, “High School Musical”, “Hairspray”, “Dreamgirls”, “Moulin Rouge” o “Burlesque”, junto a las animadas de Disney.

Al menos yo, cada vez que ahora escucho que estrenarán una película musical, lo pienso dos veces antes de adentrarme en una sala de cine. Si es por oír canciones sueltas, mejor me compro un CD. Si es por combinar música e imágenes para narrar una historia, entonces me daré el gusto de dedicar una hora o dos para disfrutar de un producto memorable.¿Y usted señor lector? ¿Qué considera como película musical?

Sea como sea, una película musical es un Arte de Película porque es más que una simple película con canciones: es una forma especial de contar la historia, una que trasciende los ojos o el oído, es una que va directamente al corazón.

“Jesucristo SuperEstrella” – Más que solo música y moda

Muchas de las películas musicales que conozco provienen de libretos producidos originalmente para espectáculos en Broadway, o para funciones del estilo. Y esta famosa película proviene justamente de allí.“Jesus Christ Superstar” es el nombre original de una obra presentada en Broadway al inicio de los 70s, que dada su popularidad fue lanzada al cine en un largometraje recordado y alabado hasta el día de hoy. Los genios detrás de esta gran labor son Andrew Lloyd Webber, a cargo de la música, y Tim Rice, quien escribió la letra para dicha música. Ambos británicos, y ambos autores también del musical “Evita” que protagonizó Madonna con Antonio Banderas.

¿En qué se caracteriza Jesucristo Superestrella? De partida, su popularidad. Son incontables las versiones en idiomas locales y temáticas locales; incluso hasta el día de hoy, en especial en el periodo de Semana Santa, se realizan versiones adaptadas en la letra, contexto histórico y político, vestuario, etc.Y es que el listado de canciones y el mensaje que transmite dan para eso, y mucho más. Entonces, cómo no pensar que tanto la película como la obra en sí misma, sean un reflejo de cómo es la sociedad en la que vivimos. Analizándola con altura de miras, por mucho que el argumento central sea religioso, no está hecha por católicos o cristianos con fines evangelizadores, por lo que cualquier crítica que se le pueda hacer de incongruencias con la Biblia o de lo “realmente pasó” quedan al margen. Para mí es solo una forma de visualizar una historia relevante para el resto de las personas, tal como lo puede ser la guerra mundial, el hundimiento del Titanic o el holocausto en el régimen Nazi, solo que aquí se tocó un tema más delicado para la época (y quizás aún delicado en estos tiempos). Ahora, enfocándonos solo en la película, ésta fue hecha en 1973, en un momento influido por la cultura hippie, los movimientos raciales y contra la guerra, los deseos de liberación, los enfoques en el sexo y el amor, mientras que musicalmente el estilo rock y la onda disco dominaban el mundo. Todo esto se ve muy bien adaptado en el vestuario, el maquillaje, la melodía de las canciones y la decoración. Es cierto que deben tener un cierto contexto de la época en que “originalmente” transcurre la historia, es decir, el año 33 d.C., pero todo eso se mezcla con la moda setentera y los artefactos que para ellos eran comunes. Por lo tanto, el punto fuerte a destacar es el diseño que se le da a lo visual, justificando en gran parte el porqué se adaptó al cine. Si bien en los espectáculos de grandes producciones hay una cuidada escenografía y mucho juego de luces, es muy distinto tener un inmenso cielo azul como telón de fondo, junto a infinitas montañas por donde caminar, o cientos de animales siendo pastoreados por entremedio de verdes praderas con un riachuelo. Todo esto es eso especial que tiene la película. El ambiente real es algo que un escenario con telas y pintura no puede igualar. Además, si en algo estamos de acuerdo, es que las locaciones elegidas para filmar son memorables. No es menor que cada una de las canciones o los momentos de la película sean claramente reconocidas solo con ver una imagen de ellas. Prácticamente cada canción tiene un ambiente distinto, ya sea desértico o lleno de vida, desde las ruinas de una antigua civilización, con pilares de piedra tallada y un anfiteatro, pasando por escarpadas colinas y profundas cuevas donde escasamente llega la luz, hasta un valle con cientos de árboles y una gran laguna artificial de aguas turquesas en medio de la nada. Todo sirve para crear la atmósfera perfecta para el desenvolvimiento de los actores… actores que tampoco desentonan.Aun cuando, en su mayoría, los protagonistas de esta película no son los mismos de las obras previas y posteriores, sin duda representan la cara “visible” de las canciones que trascienden hasta el día de hoy. Sus actuaciones encajan sin problemas dentro de la historia y se mimetizan tan bien con su papel que incluso al inicio del largometraje parecieran ser “simples actores” que se reúnen para hacer una obra de teatro, con todos los preparativos de maquillaje, vestuario y utilería, mostrándose amistosos entre ellos, para luego dar inicio a la “actuación” y finalmente al término de la película, recoger todas sus pertenencias para subirse nuevamente al bus como si nada “extraordinario” haya pasado. ¡Eso es fascinante!Es llamativo notar que luego de los créditos iniciales, Carl Anderson se mete de lleno en su personaje de Judas y comienza a narrar lo que según él está mal de Jesús, mientras que por su parte, a Ted Neeley se le muestra bajándose del autobús como cualquier joven de la época, pero inmediatamente es rodeado por un grupo de actores que lo visten (o envisten) de Jesús, adoptando su rol como hombre divino.Sin intención de caer en la molesta comparación del resto de los co protagonistas, destacando las cualidades de uno por sobre otro, solo hay que mencionar que también cumplen a cabalidad y de forma impecable la función que se les mandó. Cada uno sabe resaltar y ser célebre con su tema musical: María Magdalena con su sufrimiento hecho canción, Pilatos con su soberbia y punzante voz dejando claro quién es el que manda, Herodes con su ridículo pero desafiante baile con reminiscencias de charlestón, los coordinados seguidores de Jesús realizando una artística coreografía con las hojas de palmas y también de saltos y acrobacias junto a Simón Zelotes con su estridente algarabía, los leprosos que saliendo de la nada suplican ayuda, los “pecaminosos” comerciantes que con su insinuantes bailarinas y persuasivas ofertas desatan la furia del protagonista, los apóstoles que con interminables preguntas muestran su temor frente a su futuro en medio de reuniones y veladas a lo largo de todo el camino que recorre su maestro, y finalmente, Caifás y Anás que son rotundamente quienes le ponen la guinda a la torta con sus interpretaciones que se acoplan sin problemas por muy dispares que sean. Si la película se dividiera en fragmentos según cada canción, se tendrían prácticamente 20 videos musicales, cada uno con su cantante principal y temática personalizada. Es como una película de videoclips unidos todos por una historia en común. Algo parecido con lo que sucede con la película Interstella 5555 del grupo Daft Punk, aunque guardando las proporciones ciertamente.Un característica de esta película, y que también la tiene “Evita” (ya que fue creado por los mismos autores) es que las canciones centrales se “repiten” varias veces, con distintas letras, como si fueran una especie de muletilla para musicalizar diálogos más cortos, sin la necesidad de estar creando nuevas melodías, y resolviendo el problema de dejarlos sin música de fondo, solo como texto. Esto potencia aún más a las ya pegajosas canciones y producen ese efecto de grabarse en la memoria de todos y no salir de ahí jamás. No hay nada más que agregar. Esta película, pese a ser también un musical de teatro y un álbum discográfico, los supera con creces. Por esto es que Jesucristo Superestrella es un Arte de Película, porque es más que solo música y moda.

1er Recuento

A esta fecha se ha publicado el comentario de una película por cada género aquí descrito, a saber:

CINE CHILENO> El Gran Circo Chamorro
ANIMACIÓN> Las Trillizas de Belleville (Les triplettes de Belleville)
COMEDIA> La muerte le sienta bien (Death becomes her)
DRAMA> Ojos bien cerrados (Eyes Wide Shut)
TERROR> Payasos asesinos del espacio exterior (Killer Klowns from outer space)
CIENCIA FICCIÓN> Grieta en el tiempo (The Langoliers)

En este primer recuento formaron parte películas de distintas épocas, distintos formatos y distinta recepción a nivel de espectadores. Es muy variada esta primera entrega y, por lo mismo, es necesario hacer hincapié que es justamente eso lo que se busca. Algunas películas son para tomarlas muy en serio, con un análisis profundo y detallado, mientras otras son para relajarse, no sobreanalizarlas ni buscarle algún trasfondo más que el simple entretenimiento.

Esta página aspira a tener una riqueza cultural cinematográfica muy grande fundada en la variedad de películas que uno puede encontrar en el mundo del Cine, visto desde mi perspectiva, claramente, dando a entender que por muy diferente que puedan ser unas de otras, eso especial que tienen es lo que las destaca a todas y las hace sobresalir del resto.

Por lo general nunca me han gustado las películas taquilleras o muy populares, esas que la mayoría de las personas va a ver sólo porque aparecen actores famosos, fueron éxito en otros países o «todo el mundo habla de ellas». Aunque siempre hay excepciones como Titanic o Volver al Futuro por ejemplo, pero en esos casos no es la popularidad lo que me llevó a verlas y considerarlas un Arte de Película.

Probablemente de la lista de artículos recién mencionada sólo conozca algunas y de las otras jamás haya oído mencionar siquiera el título. Está bien. Eso no me molesta. Espero, en consecuencia, que sirva de algo el haber dedicado tiempo para compartir mi experiencia con estas películas.

PRÓXIMAMENTE:

>Jesucristo Superestrella
>Sobre películas Musicales
>Avance 2do pack de artículos

«Langoliers: Grieta en el tiempo» – Suspenso en lo desconocido

Para comenzar, y haciendo referencia a mis mismas palabras usadas anteriormente, no es un punto relevante qué tan notable carrera como escritor o cineasta tenga Stephen King, ni cuántas otras obras haya creado o si son aclamadas mundialmente, o incluso, si usted lector es fanático de su carrera y se conoce todas sus publicaciones, sus best sellers y sus largometrajes más famosos; no acostumbro basar mis recomendaciones personales en base a experiencias con otras personas y lo que piensan de una u otra película. La película que comentaré a continuación es un Arte de Película para mí por sí misma, no por su creador ni su trayectoria. Si estima conveniente agregar a su vasta colección de películas o libros de este autor, porque no la conocía de antes, me parece una sabia decisión, empero si considera que es una burla para dicha colección, me sentiré satisfecho por el simple hecho de hacérselo notar. ¿Qué se puede decir de “Los Langoliers”? Sin ánimos de estropear a quien no la haya visto, no se puede decir mucho. La particularidad de “Grieta en el tiempo”, como fue llamada en la versión latinoamericana, reside en que hay que ver para entender de qué trata pues la trama en sí es muy sencilla. (Esto me causó cierto problema con las imágenes que sirven de apoyo, porque me fue difícil encontrar tomas buenas que capturaran la esencia de lo que estaba sucediendo) Lo valorable es la forma en que se va desarrollando, cómo algunos personajes tienen determinados roles que sirven para enmarañar problemas o resolver encrucijadas que brotan incluso de ellos mismos. Incluso, me podría atrever a decir que al inicio de la historia uno no espera que sus acciones se vayan torciendo más y más hasta terminar de la forma en que lo hace, sino que se construye una idea pre concebida por cómo se van presentando los protagonistas de esta historia, creyendo que siempre mantendrán el mismo perfil con el cual los conocimos… ¿o quizás es porque están mal construidos los personajes y el guión? Aquí me gustaría decir definitivamente que NO. El hecho está en que, a mi parecer, los personajes evolucionaron demasiado rápido (tal vez dadas las circunstancias en las que se encuentran) y uno puede marearse un poco. Langoliers es una novela que fue adaptada a televisión, en formato de miniserie de dos episodios. En sí no es una película, pero en muchos países, particularmente en el mío, así como la versión casera en DVD, se formateó de forma continua para asimilar un largometraje de tres horas. Yo creo que si me hubiese tocado verla en dos partes, me desespero.

Esperen… ¿Desesperación?

Pues sí. La historia se encarga de mantener el suspenso todo el tiempo porque simplemente no sabemos nada. No sabemos por qué el avión en el que viajaban pasó de tener una tripulación llena de pasajeros a solo un grupo de diez personas, eliminando azafatas y pilotos, dejando solo una tétrica escena con los “restos”. No sabemos qué pasó, por qué solo están ellos, no sabemos qué les espera, no sabemos cómo actuarán frente a la presión de lo desconocido. No tenemos idea hacia dónde se dirige la película; aunque en algo tendrán que ver los langoliers. En la primera mitad de la película, o en la primera parte de la miniserie, se nos presenta el problema de lo desconocido, y los primeros atisbos de qué misión cumple cada personaje: el loco, el inteligente, el que toma las decisiones, la conciliadora, etc., pero la verdad es que después estos papeles varían un poco. El que no debía estar ahí, pues es rechazado por todos, se convierte en el miembro más preciado y que ayudará a salvar al resto; los que se muestran en un segundo plano resultan tomar más protagonismo conforme avanza la historia; y qué decir de algunas muertes inesperadas. Eso siempre sorprende. El clima auditivo también ayuda bastante. En algunas partes hay música de suspenso, pero la mayoría del tiempo reina el silencio. Ese inquietante silencio que muchas veces te hace escuchar sonidos que no existen o que no querías oír, esos que se encontraban ocultos detrás del ruido de tus propias palabras al hablar. La fotografía (es decir cómo se ven la escenas) también es un gran aliado. Se trata de simular un lugar en donde no hay nada, en donde no está ese brillo que uno nota alrededor incluso cuando está nublado o es de noche. Ese brillo de ‘vida’. Es decir, si te encuentras solo, y sabes que estás solo, y todo lo que te rodea está inmerso en el silencio, pero presientes que algo malo se acerca, algo inevitable, ¿acaso no te desesperaría? ¿No te darían ganas de correr para encontrar alguna salida? ¿Y si eso que se acerca no es real porque es parte de tu subconsciente que te juega en contra? Pues eso es lo que se marca en la segunda parte. Luego de saber que no hay escapatoria, los protagonistas saben que no deben quedarse en donde están, porque sino también desaparecerán. Y es aquí donde aparece lo especial que tiene Grieta en el tiempo. ¿Cómo llegas a un punto de descontrol por el simple hecho de temerle a nada? Es que finalmente la nada se obtiene eliminando el todo, incluyéndote. ¿Y cómo te escapas a ese inevitable destino?, con la ayuda de la mente de Stephen King.  Algo se acerca… Son los langoliers… ¿Cómo escapar de ellos? ¿Qué son ellos? ¿Son reales? Estas tres preguntas se las dejo como tarea si ven esta película. Aunque resulta complaciente que de alguna u otra forma todas las piezas calcen perfectamente al final, y que tenga un desenlace favorable. Lo que no asegura que sea como uno espera; aún quedan varias trabas por resolver. Finalmente, algo que es necesario comentar, es el punto débil que tiene esta obra. Todo habría sido magníficamente perfecto si no fuera por la época en que se rodó esta producción. Fue en plena década de los 90s y al parecer no se destinó mucho dinero a los efectos especiales, que aunque son mínimos, sí contribuyen a que la opinión generalizada tilde de ridícula a esta película. Quizás las imágenes del avión volando se pudieron haber eliminado, pero el protagonista número de la historia, es decir, los langoliers, eran una parte crucial y mostrarlos tan digitalizados me decepcionó un poco. Es decir, tienen que estar ahí, deben verse, juegan un papel importante en la trama… no podían evitarse… pero estamos iniciando 1995, ¿qué más se les puede pedir? ¿Se les podía pedir más? No lo sé. Probablemente después de verla un sinfín de veces, ese detalle ya me parece ínfimo, e incluso sea parte de los motivos para considerarla un Arte de película. Disfruto tanto el suspenso y el misterio que tiene la trama, que al final cuando aparecen estos seudo critters digitalizados todo se vuelve más liviano y cómico, dándole ese toque justo para destacarla sobre otras. Por todo esto es que “Langoliers” o “Grieta en el tiempo” es parte de blog. Son 180 minutos que al principio pueden ser desperdiciados, pero luego te deja esa extraña sensación que te hace sentir que no fueron en vano. Quizás quedaron muchas preguntas, quizás te hace pensar sobre la temática de los viajes en el tiempo (al menos no es igual a la mostrada en otras películas), quizás te den ganas de verla otra vez o quizás solo te centres en decir que los langoliers daban vergüenza. Lo que está claro, es que no te dejará indiferente.

«Payasos asesinos del espacio exterior» – Típica película de terror ochentero

ADVERTENCIA: Esta película está catalogada para adultos por su lenguaje, escenas de violencia, muerte y sexo. Si es susceptible a películas referentes a muerte omita leer este artículo.

 

Si hay algo que caracteriza a varias películas de terror de los años 80 es la cuota de humor que le añaden los directores o guionistas, pese a lo trágica de algunas escenas o el miedo que quieren transmitir con la historia. Es casi como ironía o humor negro… pero resulta. La saga de Freddy Krueger, Critters, Bettlejuice, o las decenas de filmes sobre zombies, son un claro ejemplo. En esta ocasión me referiré a “Killer Klowns from outer space” la cual comúnmente es confundida y comparada con “It, el payaso asesino” pero que solo tienen en común el simpático tema circense y de la diversión por matar gente, pues en “It” es un monstruo que adopta la imagen de payaso, mientras que aquí SON efectivamente “Payasos asesinos del espacio exterior”, tal cual como el título en español lo señala.

Entonces, la pregunta viene casi de inmediato ¿payasos?… ¿hay payasos en el espacio? ¿Payasos extraterrestres? Es una idea loca, pero totalmente válida. Es decir, ¿por qué no puede ser que eso de pintarse la cara y vestir ropa estrafalaria llena de colores haya sido copiado de alguna ocasión en que estos tiernos seres del espacio hayan visitado la Tierra en el pasado? Sea como sea, el caso es que ahora han venido (o regresado) a nuestro planeta y no vienen precisamente a alegrarnos con funciones de circo o shows de fiesta de cumpleaños. ¿O sí?

Pues sí; vienen con globos y guirnaldas de muchos colores brillantes, algodón de azúcar, palomitas de maíz, extravagantes atuendos, máquinas de la risa, marionetas y pistolas que lanzan rayos de luces, pasteles de crema y muchas sorpresas para brindarnos la experiencia más entretenida, mientras nos asesinan.

Sin ánimos de arruinar la sorpresa de contar la trama a quienes aún no la hayan visto, esta película habla sobre extraterrestres que llegan del espacio en una nave con forma de carpa de circo, y resultan ser payasos que vienen a la Tierra para matar personas y alimentarse de ellas. Y bueno, el resto de la trama se reduce a lo típico: al principio nadie les cree a los protagonistas, después hay muchos muertos, descubren cómo vencer a los malos y al final los malos se van de la Tierra. Un cuento bastante corto. Pero si fuera por la simpleza de la historia sencillamente no tendría nada de atractivo y no sería una “típica película de terror ochentero”. Más aun considerando que no es muy popular ya que el “otro payaso asesino” ganó más terreno en cuanto a películas de terror, relegándola a la categoría de película de culto.

Entonces… ¿qué es lo que caracteriza para que sea un Arte de Película? A primera vista nos encontramos con payasos (obvio), que parecen ser juguetones, traviesos, bromistas, inofensivos… pero con su aspecto grotesco y maquillaje exagerado hacen dudar de su inocencia. Yo dudaría al menos: vienen del espacio, nos engañan haciendo creer que están dando un espectáculo divertido y luego nos disparan para encerrarnos en pelotas de colores, convertirnos en pop corn o cosecharnos en capullos rosados (¿de algodón de azúcar?) para después tomarse nuestra cultivada sangre, sin olvidarnos de esa entretenida y clásica broma de lanzar pasteles de crema sobre la cara, pero que… ¡sorpresa!… es crema ácida y en unos segundos ya solo quedan los huesos de tu cuerpo. Y bueno, tampoco hay que culparlos: ellos matan por diversión, y en serio que para ellos parece ser que no hay nada malo; si hasta arman un perro con esos globos largos (típico de los payasos) y el perro ladra y olfatea el piso para conducirlos donde están las personas escondidas. Esperen… ¿el perro hecho de globos está vivo? ¡Por supuesto! Y no se detendrá hasta que te encuentre y así sus dueños payasos te puedan reducir a un puñado de polvo mágico.

Y aquí es donde resalta eso tan característico de las películas de terror hechas en la década del 80: se mezcla el miedo y suspenso con chistes o escenas cómicas que te dejan pensando si debes reírte o sentir pavor ante la crueldad de lo que acabas de ver.

O sea, ¿cómo no sacar al menos una carcajada al ver que los payasos te esperan con una cama elástica para que saltes desde el segundo piso de tu casa para llevarte con ellos y luego matarte? O sea, ¡si hasta usan casco de bomberos!

¿Cómo no reírse de un payaso que forma con la sombra de sus manos figuras tan ilógicas como un detallado elefante que hace sonar su trompa igual a uno real? Pero claro, después de reírte de lo absurdo, quedas perplejo viendo que después forma un dinosaurio que se devora a todas las personas que disfrutaban de ese acto. (Esta es mi escena favorita)

Algunos podrán reclamar que es solo culpa de mentes enfermas, ese absurdo asunto de mezclar humor con miedo, o reírse de la tragedia de otras personas, pero la verdad es que mientras tengas un criterio formado y sepas diferenciar lo cruel de lo fantástico, todo resulta algo novedoso y llamativo. Si no fuese así, las películas de Freddy Krueger, en donde él se burla de las situaciones en que mueren sus víctimas, con escenas irrisorias e irónicas, no hubieran tenido tanto éxito en su momento, claro que a eso se le añaden muchos otros factores comerciales que en particular esta película no tuvo.

Llámenme psicópata o desequilibrado mental, pero personalmente no le veo nada malo a esta película. A diferencia de muchas otras que se comentan en este blog, esta obra es para tomársela a la ligera, sin pensar mucho, sin ahondar mucho en el por qué. Si desea sobre analizarla es decisión suya, pero no se lo recomiendo, porque ahí es donde se pierde la gracia que tiene: el humor ridículo y sin sentido dentro de una trama de terror.

¿Está aburrido en una tarde de domingo o en una noche de vacaciones sin panorama? Se la recomiendo, preferiblemente acompañado (y no es porque dé miedo, jajaja). En instantes los comentarios brotarán.

Dicen que el valor está en los detalles, y si hay algo que a esta la hace ser un Arte de Película son todos esos memorables momentos que después de terminar de verla son tema de conversación o más de algún comentario gracioso hace emanar de los espectadores. Y es justamente por ese motivo que escribo estas líneas hoy: eso especial que tiene esta película son sus notables situaciones tragicómicas tan bien armadas.

Evitaré dar más detalles de la película como personajes o la trama en general, pues es algo que deben descubrir por ustedes mismos. Sinceramente no creo que se arrepientan, porque hay mucho material de donde comentar.

Como mencioné anteriormente, esta película está catalogada como “de culto” y en su época produjo incluso un videoclip con una canción pop creada especialmente para ser el tema central que incluye la clásica melodía circense. Lamentablemente hoy en día es difícil conseguirla, aunque he visto una edición en disco BluRay la cual no viene doblada al español que se usó en América latina y con el que conocí esta obra de arte. Los más puritanos dirán que es siempre mejor el idioma original, pero siempre hay algún resquemor cuando uno escucha la película por primera vez con doblaje en español latinoamericano y más si es transmitida por televisión abierta, dejando en suspenso algunas partes muy importantes para emitir los nunca bien ponderados (pero necesarios) anuncios comerciales.

 

«Ojos bien cerrados» – Una nube de preguntas y misterios en Navidad

Probablemente a lo largo de este artículo yo haya mostrado muchos fotogramas de escenas características y formulado una infinidad de preguntas que no tienen aparente respuesta o que quedan a juicio del lector, pero justamente de eso se trata lo que quiero lograr al hablar sobre “Eyes Wide Shut”, “Ojos bien cerrados” en español, eso especial que tiene esta película: la duda, el misterio y el secreto, dentro de un marco visual asombroso.

Stanley Kubrick… Dicen que es uno de los mejores y más influyentes directores de cine en el mundo. Pero, ¿de qué sirve que lo sea, si a mí no me produce nada con sus películas más “aclamadas” como ‘2001: Odisea en el espacio’, ‘Espartaco’ o ‘El resplandor’? (De “La Naranja Mecánica” hablaremos en otra ocasión pues es una excepción)

Por lo menos a mí no me llama la atención un director sólo por ser “influyente” en el mundo y famoso por eso. Y es más, no me llaman la atención los directores en sí; no soy un fanático del equipo técnico a cargo de las películas que me gustan, como si crear una obra maestra implicara que todas las demás serán igualmente “maestras”. Quizás en algunos casos el director se repite el plato con algunas de mis cintas predilectas, pero en este artículo no va al caso hablar de eso.

Independiente de la carrera de este reconocido cineasta, y de qué cosas tan terribles puede esconder esta película, aquí sólo me remitiré a comentar por qué me fascina uno de sus (según dicen) legendarios y controversiales filmes, que a pesar de los años y de la incontable cantidad de veces que la he visto, aún la sigo encontrando llamativa, interesante, misteriosa, intrigante y cautivante. Sin ir más lejos, la última vez que la vi hace un par de semanas descubrí otra arista de la historia y un par de detalles ocultos que, a menos que uno sea muy meticuloso y capcioso, no podría notar al mirar la película simplemente por primera o segunda vez. Y no son detalles triviales como el jarrón del fondo que se vio por dos segundos en una escena en específico o el color del vestido de la protagonista, sino que me refiero a frases o acciones que tienen un contenido oculto a primera vista, pero en realidad poseen trazas de información relevante para comprender por qué se desarrollan de una u otra forma los sucesos en la historia. De hecho, si se tuviera más experiencia y conexión con el mundo ficticio que se relata en este filme uno puede darse cuenta de la influencia de ciertos personajes, que no están puestos ahí al azar, sino que juegan un papel importante en toda la trama, además también de lugares y escenarios.

En este marco todo se confabula para tener una historia montada sobre cada detalle, cada significado, cada esbozo de claridad que sirva para descifrar qué nos quería contar Kubrick con esta película. ¿Habrán más símbolos ocultos que aún no logro descubrir? ¿Habrá más frases con doble lectura? Es cosa de seguir viendo la película una y otra vez, cosa que no me molesta.

Cabe mencionar que esta fue una película muy controversial y promocionada en un principio por tener “fuertes” escenas eróticas y una trama para adultos. Es más, cuando era menor de edad eso era lo más llamativo de ver esta película, pero ahora que la conozco bien, eso casi pasa a un segundo plano. Basta con decirles que si Ud. quiere ver sexo, mejor consígase una película pornográfica directamente y evite pasar por “Ojos bien cerrados”, porque quedará desilusionado, o hasta incluso aburrido. Es cierto que se muestran mujeres desnudas explícitamente y también algunas escenas de orgías y relaciones sexuales, sin ningún pudor, pero a menos que sea un depravado sexual que sólo se interesa en el sexo que aparece en las películas, aquí no es relevante, porque hay un trasfondo más importante que eso, en donde no interesa si se muestra un poco más o un poco menos. Claro, todo esto forma parte de la narración visual, y sin estas escenas, no se podría comprender algunas cosas, pero esta no es una película pornográfica, aunque podemos decir que erótica sí.

Y justamente, es esa narrativa que se intenta desentramar a medida que pasan los minutos, entre escenas a veces incomprensibles e inútiles, o de diálogos absurdos y redundantes, aquella que trasciende para sumergirnos en un dilema. ¿De verdad pasará esto en la vida real? ¿Será acaso sólo el resultado de una mente demasiado abierta e imaginativa? Porque déjenme decirles que aún siento que hay escenas de más, conversaciones que no llevan a ninguna parte, tiempo y recursos malgastados (a primera vista) y que hacen pensar si de verdad estamos entendiendo cada paso que se avanza o estamos inmersos en las turbias aguas de un sueño que parece real.

Como dato complementario, el señor Kubrick se basó en una novela austriaca llamada “Relato Soñado”, del autor Arthur Schnitzler, en la cual se desarrolla un conflicto marital que termina deteriorando la confianza en ellos debido a que el protagonista se siente arrastrado hacia lo desconocido y se sumerge en un terreno tan onírico como peligroso. ¿Será lo que aquí también se busca dar a conocer: ese fascinante mundo de ensueño pero al mismo tiempo amenazante?

Sin ánimos de arruinarles la novedad o de contar demasiado sobre de qué se trata (si es que no ha visto esta película), este filme habla principalmente sobre el precio de guardar secretos: por un lado, problemas en un matrimonio “feliz” por la pérdida de confianza o por tener una confianza a ciegas, y por el otro, sociedades ocultas que mantienen y practican ritos no muy bien vistos por el común de las personas y que se alejan de la “normalidad”. ¿O será un reflejo de dicha «normalidad»?

En base a esto, creo que no cabe duda que el título está bien elegido. La pregunta es, ¿se refiere a que es mejor mantener los ojos bien cerrados para evitar caer en asuntos que no nos competen? ¿o se refiere a que prácticamente hemos estado todo el tiempo con los ojos bien cerrados y solo al final los abrimos para darnos cuenta de lo que ha pasado? ¿Habrá alguna otra hipótesis?

Según lo recién comentado, esta película me resulta muy llamativa al ser una mezcla de realidad y de ficción, ambas tan bien combinadas que cuesta separarlas y detenerse a pensar qué cosas pueden ocurrir y cuáles no, o cuáles de ellas están ocurriendo justo en este momento, incluso en la casa que está en la esquina de calle donde vivimos. A veces la realidad supera la ficción y eso ya está más que demostrado. ¿O aún cree Ud. que su barrio es sólo lo que se ve por fuera? ¿Alguna vez se han detenido a pensar qué sucede dentro de las cuatro paredes de aquella casa tan misteriosa a la vuelta de la esquina? Estoy seguro que más de alguna vez su respuesta es afirmativa. Entonces estamos en presencia de una evidencia de que la ficción está dentro de nuestra realidad. ¿O será al revés?

Por otro lado, resulta casi burlesco e irónico que se haya ambientado la película dentro de la época previa a Navidad, con todos esos colores, toda esa alegría, todo ese espíritu de amor y paz que ronda en el ambiente, y que en particular, los estadounidenses quieren imprimirle siempre a estas fechas, aún cuando se esté desmoronando el mundo. ¿Será para contrarrestar de alguna forma la sombría experiencia que viven los protagonistas?

Ahora bien, si hay algo que se puede notar como un elemento constante en toda la película, y que es precisamente una de las cosas que más me gusta, son las luces navideñas multicolores; esas que adornan el ambiente festivo, y que como sabemos existen muchas formas y colores, pero que aquí nunca dejan de ser como un arcoíris. Todos los árboles de Navidad que se ven, en los distintos lugares y escenas, sean pequeños, grandes, elegantes o corrientes, todos están decorados con brillantes colores, y en ocasiones están también en las paredes o decorados de ventanas y escaleras.

En cualquier lugar al que asiste el protagonista, siempre está decorado con esas luces. ¿Raro, no? ¿Acaso todos compraron los mismos tipos de luces? ¿Se pusieron de acuerdo o sólo había de esa clase en las tiendas de la ciudad de Nueva York? ¿Será alguna señal? Para un simple espectador pasajero esto puede resultar “bonito”, “curioso” o sencillamente pasar desapercibido. Para mí, esto es uno de los motivos que la hacen especial.

Incluso, en una fiesta navideña que se muestra al comienzo de la película, en medio de un imponente brillo de luces blancas, amarillas y doradas, se encuentran también esos tonos multicolores. Sí, justamente, en ese espacio onírico creado por cascadas y cortinas de luces con un resplandor que llega a encandilar, se encuentra ese detalle visual que puede esconder tantos secretos como respuestas, al mismo tiempo que se desarrollan eventos claves para descifrar lo que se nos viene si seguimos siendo cómplices de cada uno de los pasos que da el protagonista.

En base a este punto, prefiero quedarme con la idea que es uno de los “toques especiales” que se le quiso dar al filme, aunque la teoría de que es más que sólo coincidencia también es muy sugerente.

Finalmente, el último recurso que tiene un cineasta al momento de armar su obra, y por qué no decirlo, que también me tiene cautivado completamente, es la banda sonora.

Si hay canciones y melodías tan espectaculares que sean capaz de llegar a mi mente y transportarme en un instante a todo el mundo en el cual una película nos quiere envolver, esas son las de “Ojos bien cerrados” (junto también a las de “Titanic”). A mi juicio, la elección de piezas clásicas, mezcladas con tonos actuales y algunos otros desconcertantes, recrean en cada nota una parte de la historia.

Sin la música no hay escena, y sin la escena no hay música; son mutuamente necesarios. Basta con empezar a oír el piano del tema principal para sentir escalofríos y convertirse en un participante más del rito secreto al que asiste el protagonista.

No es coincidencia que uno de los personajes influyentes en la historia sea un pianista y sea justamente él quien nos involucre, consciente o inconscientemente, a vivir este sueño en la realidad. Yo no creo en las casualidades, y menos en esta película.

Aquí la música juega un papel tan importante como lo son las luces de colores y el enigma constante de no saber qué puede pasar. Son estos tres elementos los que dentro de todo lo que se puede criticar, dudar o aplaudir de esta película, los que la hacen especial para mí.

Si nunca antes ha visto esta película les invito a hacerlo, pero con altura de miras, sin tomarla tan a la ligera: ‘Ojos bien cerrados’ no es de esas “livianas” para relajarse y pasar el rato en una tarde de ocio, sino que al contrario, les exigirá la mayor atención y los mantendrá pensando minuto a minuto “¿qué está pasando aquí?”. Si es susceptible a escenas “fuertes” entonces no la vea. Lo que menos se quiere aquí es tener espectadores dubitativos e inseguros.

En cambio, si ya la ha visto antes, entonces le invito a que lo vuelva a hacer, por el solo placer de disfrutarla o quizás para encontrarse con algo nuevo. ¿Quién sabe? Al menos, yo no lo descarto. Porque si hay algo que se le puede alabar a una película, y en particular a esta, es la capacidad de renovarse cada vez que uno la ve, de no ser la misma que viste la última vez, de tener algo nuevo que ofrecerte y cautivarte una vez más.

Esto es por lo que «Ojos bien cerrados» es un Arte de Película. No hay más que agregar.

«La muerte le sienta bien» – Humor con un toque de tragedia, drama e intrigas

¿Una película de Meryl Streep? ¿Y con Bruce Willis? ¿Y Goldie Hawn? Debe ser una de esas películas bien promocionadas, taquilleras, populares, que todo el mundo fue a ver al cine, que todo el mundo comentó y de seguro le fue espectacular en recaudación.

¿La verdad? No sé nada de eso, y tampoco me importa. Eso especial que tiene esta película no radica (y nunca radicará) en la moda que produjo y menos en la opinión “del resto”.

“Death Becomes Her” es el título original de “La muerte le sienta bien” que fue dirigida en 1992 por Robert Zemeckis, el mismo gran director de Romancing the Stone, Volver al Futuro y Forrest Gump. [Como dato extra, la banda sonora fue hecha por Alan Silvestri, el mismo de estas tres películas]

La película se presenta inicialmente como una comedia pura. Aunque después vamos viendo, a medida que van ocurriendo sucesos un poco fuera de la realidad, que llega al límite de la ciencia ficción y prácticamente se podría considerar una película de terror. Pero claro, no es sólo ciencia ficción porque el humor se hace presente a cada instante y es completamente natural todo lo que pasa ahí en ese mundo. Y tampoco es sólo terror porque lo que en el “mundo real” de un típico thriller podría ser terrible, todo lo que sucede con los personajes acá es tomado tan a la ligera que da lo mismo tener un agujero en el estómago (literalmente) o quebrarse el cuello y quedar con la cabeza colgando hacia atrás luego de ser azotado con una pala. Además, por otro lado, se puede considerar como una película de romance con dramas e intrigas, pues se forma aquí un triángulo amoroso, en donde Goldie Hawn se pelea “a muerte” con Meryl Streep por el amor de Bruce Willis, enfrentándose en una pelea con palas, empujándose por las escaleras y, bueno, con algo un poco más potente y letal como una escopeta.

Otro tema interesante de tocar al momento de comentar esta película, y que también hace que sea una de mis favoritas en cuanto a trama, es el hecho que hay una búsqueda por la belleza y juventud eterna, desviviéndose por lograrla y, en este caso, muriendo por lograrla. Lo cual obviamente es irónico si se piensa un poco: morir para lograr la vida eterna. Y sobre todo mostrando que sólo basta con tener el suficiente dinero para que eso se pueda lograr. Se puede ver en algunas escenas a muchas celebridades exitosas del pasado que aparecen en perfecto estado, viviendo como si nada, pero claro, escondiéndose del mundo. Mi pregunta es… ¿para qué?… ¿por qué vivir en un mundo que no puedes disfrutar?… ¿para qué vivir en un mundo eternamente?… ¿será agradable ver envejecer a todas las personas que uno estima, como familiares o amigos, y ver cómo se van muriendo, mientras uno queda como si nada?… ¿tiene sentido la vida así?… Lo interesante es que alguien en esta película también se lo cuestionó y no cayó en el círculo vicioso de jugar con la vida y la muerte, dándole un toque de seriedad a la narración inesperado (entre tanta comedia).

Por su parte, los tres actores principales hacen un espectacular trabajo y se puede notar cuán afianzados están, a no ser que se trate sólo de una labor del director, lo cual también sería un gran reconocimiento. La verdad es que Meryl Streep y Goldie Hawn aparecen bellísimas; no sé si serán efectos especiales, pero se ven espectaculares. Claro que hay que considerar que es el año 1992, o sea hace 21 años, y un tanto más jóvenes se encontraban en comparación a como están hoy en día. El personaje que se me hace extraño reconocerlo como tal es Bruce Willis, parece como si fuera otro actor. ¿Serán los lentes, los bigotes, la actitud y personalidad del personaje? ¿Quizás será que actúa tan bien y no se asemeja a otros papeles que ha interpretado en otras películas lo que me da esa percepción? No hay nada que desestimar de la calidad actoral de estos tres personajes. Al contrario.

En otro ámbito, el maquillaje y caracterización, así como el de efectos especiales es impresionante. Como dije anteriormente, si no se incluyera el humor a cada rato, en cada diálogo y en cada escena, esta película pasaría por un típico thriller. Incluso asombra bastante ver a Goldie Hawn en su faceta depresiva con unos cuantos (muchos) kilogramos de obesidad. Aunque todo esto tiene su objetivo narrativo y es la forma que se eligió para hacer más llamativa la película. Lo cual me agradó mucho.

En resumen, ¿qué tiene de especial esta película aparte de tener actores conocidos y que actúan de forma maravillosa y bien compenetrados con el papel y afianzados entre sí, de ser un película de humor con escenas realmente hilarantes, de mostrar trucos y efectos especiales increíbles (incluso  grotescos en algunos casos), de plantear temas polémicos como el desenfreno por ser cada vez más joven llegando hasta morir para conseguirlo, de mostrar un misticismo sobrenatural que perfectamente puede ser real en el “mundo de las estrellas de Hollywood”? ¿Qué tiene de especial esta película?  Pues bien, todo eso que acabo de mencionar. Eso tiene de especial. Por eso, para mí, “La Muerte le sienta bien” es un Arte de Película. Se las recomiendo. Véala.

«Las Trillizas de Belleville» – Estereotipos y Prejuicios de un musical francés

Cuando uno piensa en una película de “monitos animados” tiende a prejuzgarla como una película para niños, sin una trama muy profunda, con personajes absurdos o un lenguaje simple de narración. Pero basta encontrarse con «Les Triplettes de Belleville», que en Chile llegó con el nombre de “Las Trillizas de Belleville” para cambiar de opinión completamente, y entender que una historia buena se puede contar usando el arte del dibujo y la música. Esta redacción trata de contar por qué «Las Trillizas de Belleville» es un Arte de Película.

A priori se nos presenta un título que tiende a hacer pensar que la película solo girará en torno a la historia de tres hermanas que cantan, para lo cual habrá que aprenderse canciones en francés, y adaptarse a esa cultura (después de habernos bombardeado con la norteamericana o japonesa), escuchar su acento de lengua romance y esperar a que los subtítulos estén bien sincronizados y traducidos de la forma más fiel para entender lo que dicen, etc., etc., etc., y un sinfín de prejuicios.

Sinceramente, yo esperaba todo esto antes de ver la película y no me molestaba mucho en verdad pues me habían recomendado verla, por lo que supuse sería algo agradable; o sea, un musical francés, no es algo tan común, y después de la buena experiencia que tuve con Moulin Rouge no tendría por qué decepcionarme con esta. Y debo confesar que “Las Trillizas de Belleville” me sorprendió mucho, y muy gratamente. Todos mis prejuicios se fueron y en su lugar quedó esa satisfacción de haber visto una historia cautivante, melancólica a veces, con un humor sarcástico de parte de algunos personajes y situaciones, con mensajes que llaman a la reflexión de nuestra vida y de lo que hacemos (sobre todo en la escena final), y por supuesto, con una música inolvidable. Sí, aunque sea en francés. Pues bien, todo eso tiene esta película.

A ver, enumeremos… No todo gira en torno a las trillizas sino más bien en torno a una abuela y su nieto, Souza y Champion respectivamente, y el cómo ésta busca la felicidad de su nieto incluso atentando con la real felicidad que él siente (involuntariamente supongo). Hay una pequeña historia de su perro Bruno y su «fijación» en los trenes. Hay una mafia francesa que aparece de la nada (y nadie esperaba ver en un musical sobre trillizas que cantan). Es notable a cada momento ver la mediocridad e inmundicia del mundo actual en la cual viven las trillizas, esta abuela con su nieto, y en general, la ciudad de Belleville. No todo es felicidad y canciones bonitas. Hay escenas fuertes de asesinatos… No seguiré porque la idea es que la vean, y no que se las cuente yo.

Honestamente no conozco al director Sylvain Chomet, ni nada de su trayectoria, excepto que siete años después dirigió una película similar llamada L’Illusionniste (El ilusionista). Antes, en el 2003, Chomet escribió y dirigió esta gran obra y además, como si no fuera poco, también es el autor de la letra de Belleville Rendez-Vous: el tema principal de esta película que es cantado por Benoît Charest, otro personaje desconocido para mí. En realidad, conozco bien poco de quienes armaron este “gran paquete de emociones”, como si lo sé en otras películas. Y bueno, tampoco me molesta mucho. No creo que sea “tan” necesario. Lo importante es disfrutar de esos detalles que las imágenes y la música esconden detrás de cada segundo y cada minuto, detrás de cada escena, detrás de cada diálogo.

Aunque esa última frase, “detrás de cada diálogo”, es una ironía completamente. ¿Por qué? Pues bien, otra de las maravillas de esta película es que prácticamente ¡No hay diálogos! Los personajes no hablan. Solo se escuchan algunos diálogos en programas de televisión que están viendo en ciertas escenas, y que, en general, no influyen de mayor manera en la narración. Los gestos, las acciones, los silencios, el ambiente y la música (sobre todo la música) ayudan de gran manera a que este recurso no sea necesario. La banda sonora está compuesta por 18 temas, cada uno más memorable que el anterior (lo cual se agradece bastante), y es casi una obra maestra por sí misma.  De hecho, si uno escucha la música tiempo después, las imágenes y escenas de la película aparecen de forma automática en la mente, y eso sencillamente es algo maravilloso.

En resumen, si piensa que ya sabe todo sobre esta película solo con el nombre y la canción principal característica, entonces no sabe nada de esta película: hay toda una historia detrás. Hay muchas emociones que disfrutar. Hay muchas escenas para reflexionar. Hay todo un mundo en el cual sumergirse. Hay muchos detalles que tomar en cuenta. Hay mucha novedad sobre lo que uno pensaba, pero al final es el relato de una historia que alguna vez sí ya hemos escuchado.

Eso tiene de especial: Humor, Drama, Música y Reflexión, todo acompañado de estilo de dibujo exagerado, grotesco, burdo (y feo para algunos) pero que en el fondo está representando cómo se exacerban esas cualidades físicas por sobre la personalidad y las actitudes que pueden tener.

Si hay una película que debiese ver, es esta. ¡Véala!

En mi opinión, por todo lo que dije, esta es un Arte de Película.

«El Gran Circo Chamorro» – Una película chilena con olor a Fiestas Patrias

Quizás nunca habían escuchado una película con este nombre, y quizás menos aun que sea chilena. O tal vez son parte de ese selecto grupo que la conocen o la han visto. De todas maneras, sea como sea, esta redacción trata de contar por qué «El Gran Circo Chamorro» es un Arte de Película.

Corría el año 1955 y el director de origen alemán José Bohr ya había dirigido en Chile las películas “Si mis campos hablaran” (1947), “Tonto pillo” (1948), “Mis espuelas de plata” (1948) y “Uno que ha sido marino” (1951), entre otras; todas con temáticas de la época e idiosincrasia de nuestro país, llegando a ser reconocido por el trabajo cinematográfico en una región del planeta en donde era prácticamente nulo.

Imagen de película en VHS (muy deteriorada)

Imagen de película en su versión remasterizada en el año 2016.

Surge, entonces, de parte de Eugenio Retes (padre del actual Ronco Retes) quién había protagonizado la película “Uno que ha sido marino”, la idea de una nueva producción nacional con aroma a pura tradición chilena, en la que se mostrara cómo éramos los chilenos en la mitad de la década del 50, en medio del clasismo, la discriminación, los sueños de superación y de conseguir una mejor vida, los esfuerzos por tener algo de dinero para subsistir frente al desempleo y la pobreza, pero sin dejar de lado la típica picardía y buen sentido del humor que nos caracteriza.

“El Gran Circo Chamorro” fue distribuida nada menos que por la Columbia Pictures (algo que se explica porque Bohr tenía grandes contactos internacionales y había trabajado en Hollywood en su juventud) y fue estrenada el 14 de noviembre de 1955 en Santiago, para mantenerse y luego recorrer Chile por poco menos de un año, una estadía en cartelera inédita para una película chilena en esa época, y bueno, en todas, la verdad).

En la publicación del 8 de noviembre de 1955 de la Revista Ecrán, aparecía una crítica a esta película en la que se señalaba:

“Simpático, entretenido y gracioso es El Gran Circo Chamorro nuevo film chileno cuya mayor virtud reside en el hecho de ser auténticamente nacional. A lo largo de toda la película resulta evidente y palpable la presencia del espíritu criollo, un poco saltimbanqui, que tan pronto ríe a carcajadas como trueca su sonrisa en llanto de dolor. El personaje del roto chileno (“tallero”, gracioso, de fácil y rápida imaginación, bueno, tímido e indomable, exigiéndose a sí mismo cada vez más) prima sobre el argumento. Más que la narración de un asunto, el tema es un buen pretexto para mostrar las características del hombre de nuestro pueblo.”

No es casualidad, entonces, que Televisión Nacional de Chile la mantuviese viva para despertar el interés de las nuevas generaciones transmitiéndola sagradamente durante mucho tiempo cada año durante las Fiestas Patrias, incluso cuando paulatinamente la fuese relegando a horarios cada vez más marginales, casi ridículos, hasta finalmente hacerla desaparecer en medio de la vorágine sin sentido del rating.

Cabe hacerse la pregunta hoy en día si la nostalgia por películas como esta es reflejo de querer volver a una época donde la “pantalla grande” nos mostraba tal como éramos sin las ambiciones de un mundo globalizado o es sólo el gusto pasajero que renace cada 18 de septiembre entre vasos de chicha y una que otro baile de alguna canción de cueca conocida.

En particular esta película me gusta porque muestra lugares de Santiago y Chile de esos años 50, lo cual, claramente es una especie de documental dentro de una trama que perfectamente se podría replicar actualmente. Ahí se ven lugares conocidos como la casa central de la Universidad Católica, lleno de titulados de medicina (¿Seguirán haciendo lo mismo actualmente?), la plaza Baquedano, la plaza Sotomayor y calles de Valparaíso, entre otros. Es exquisito ver lo diferente de los espacios públicos, la gente que caminaba por las calles, las forma distinta de hablar, de relacionarse con la gente, el lenguaje, los modales, lo marcado de las clases sociales (aunque algunos digan que hoy siguen igual de marcadas), los paisajes rurales que probablemente hoy en día estén totalmente urbanizados y llenos de edificios… en fin. La riqueza cultural chilena que tiene esta película es espectacular.

La banda sonora de esta película es un cuento aparte, pero no excluyente, sino que al contrario, le da ese otro toque que las películas chilenas actuales prácticamente no tienen. ¿Qué película chilena es recordada por una canción? ¿Cuál de ellas fue creada exclusivamente para la película? Las que hay son muy pocas, y en eso, El «Gran Circo Chamorro» suma otro punto a favor.

Todo queda a juicio propio del lector; esta es una opinión, es mi opinión, es subjetiva, pero válida. Por todo esto que acabo de comentar, para mí, «El Gran Circo Chamorro» es un Arte de Película y es digna de considerarse como tal.

EXTRAS:

1) Si quieren verla, aquí está la versión online completamente autorizada: http://www.cinechile.cl/pelicula-239

2) En la teleserie chilena «La Torre 10» hecha en Televisión Nacional de Chile TVN en 1984, trabaja la actriz Malú Gatica (Margarita Mendizabal, la novia de alcurnia de Fernando, el hijo de Chamorro) hace el papel de Malva del Río, una actriz ya retirada que con mucha nostalgia recuerda sus gloriosas películas que ahora pasan en la tele con comerciales y en horarios mediocres.

En una escena del capítulo 4, comenta esta misma crítica con el conserje del edificio en donde vive.

Lo más especial viene en el siguiente episodio, en donde ve una película de ella misma, que en realidad es «El Gran Circo Chamorro» en una de las primeras escenas en donde aparece.